FORMATION DE COMÉDIEN
Vision
La vision est celle d’un comédien pour un théâtre « absolu », une forme de théâtre essentielle, qui n’a pas besoin d’un déploiement de moyens mais qui s’appuie sur la compétence d’un comédien polyvalent, qui connait bien son corps, sa voix, son cœur et son intellect et qui sait les mettre au service de l’imaginaire, le sien e celui de son public. Le comédien qu’on rêve doit pouvoir agir sur scène à travers une multitude de moyens : la parole, la danse, le chant, l’improvisation… et être toujours surprenant.
Pour atteindre ce but l’école sera exigeante et pour le jeune futur comédien il sera essentiel posséder expressivité, talent, charisme et personnalité. Choses que l’on ne peut pas enseigner, mais que l’on doit découvrir, développer et nourrir.
Théâtre-école
L’école stimule le talent de chaque étudiant en tenant compte de sa personnalité, de sa créativité, de sa culture, de sa langue et de sa constitution physique.
L’objectif est de former en six semestres des artistes autonomes et responsables, à même de s’imposer dans le monde du théâtre, de développer un style personnel et de devenir acteur économique.
Afin de garantir une formation en relation étroite avec le monde du travail, l’école organise souvent des représentations internes dans des conditions professionnelles.
Les matières principales sont l’interprétation, l’improvisation, la danse, le chant, la clownerie. Elles sont complétées par des cours consacrés au rythme, à la respiration, à la voix, aux arts martiaux, à l’histoire du théâtre, à l’écriture dramatique, à la production.
Qualités d’admission
Seront demandé au candidat une démarche ambitieuse, engagement, endurance, résistance physique, capacités créatives, curiosité et intérêt pour le genre humain et les processus sociaux.
Il est requis un bon niveau de culture générale et/ou des cultures traditionnelles (non scolaires) comme le plurilinguisme, les artisanats, les récits contés, les musiques traditionnelles.
Finalité
1Durant la première année, le programme se focalise sur les techniques fondamentales de l’expression verbale et corporelle.
2La deuxième année est consacrée à des travaux qui s’appuient plus sur des textes dramatiques d’auteurs classiques ou contemporains.
3La troisième année vise la création de petites formes originales et du spectacle-tremplin professionnel.
Programme
La formation dure six semestres et est organisé par modules d’une, deux ou trois semaines. La fréquentation de tous les cours est obligatoire.
À la fin de la deuxième année, l’enseignement technique est redimensionné en faveur de la création personnelle. Sous la houlette des professeurs, les étudiants élaborent des scènes, ou des pièces en se concentrant en particulier sur les qualités expressives de chacun.
Le programme d’études est divisé en six semestres :
1er semestre : découverte
L’étudiant se familiarise progressivement avec les différentes matières : ses clichés et postures quotidiennes personnelles physiques et mentales sont écartées pour que son corps et son esprit s’ouvrent aux provocation pédagogiques. L’élève acquiert de la confiance dans la gestualité et dans la parole comme moyen de communication, il découvre le moment théâtral, il apprend à apprendre.
2e semestre : développement
L’étudiant apprend à connaître ses propres instruments d’expression, à comprendre l’importance de la constance et de la discipline et à développer les formes d’expression liées aux codes du plateau.
3e semestre : jeu avec la situation
L’étudiant élargit le moment théâtral et le transpose sur scène, il approche les auteurs dramatiques classiques et contemporains, en particulier il s’engage dans le jeu des situations.
4e semestre : jeu avec l’action
L’étudiant s’entraine à trouver l’action à travers la composition dans une dramaturgie d’acteur qui s’appuie sur l’analyse de l’œuvre littéraire pour la transformer en œuvre scénique.
5e semestre : l’action dans la situation
L’étudiant met en pratique et contrôle les instruments d’expression acquis et s’engage dans la création de petites formes à jouer pour des vrais spectateurs.
6e semestre : professionnalisation
L’étudiant s’engage dans un esprit d’ensemble à la création du spectacle-tremplin comme dans une vraie troupe professionnelle.
CONTENU
Art dramatique : l’acteur-sculpteur avec Ewlyne Guillaume directrice pédagogique du TEK, metteur en scène
S’appuyer sur le sens du sacré, la notion d’origine mythique; sur une notion du temps qui peuple le monde de présences sensibles, un temps qui convient au merveilleux, au fantastique.
Exercer chez nos acteurs la capacité à organiser leur matériau artistique.
De la danse au théâtre avec Véronique Ros de la Grange, Danseuse, Chorégraphe, intervenante à l’ENSATT.
Travailler sur des fondamentaux : L’axe du corps, le placement dans l’espace et dans le groupe, la latéralisation, le rythme, l’improvisation, les qualités de corps, la mémoire, le poids et le contre poids, les intentions, le rapport au sol, la détente mais aussi l’endurance, l’engagement, la concentration, la discipline, la structuration, l’organisation des signes.
Inventer de façon théâtrale ou chorégraphique des choralités et des solitudes.
Le Clown avec Heinzi Lorenzen : clown et metteur en scène, intervenant à l’ENSATT.
On va tenter de redécouvrir la dynamique et le rythme de l’enfance, les états d’animaux et la démesure du bouffon.
Donner une dimension emblématique à sa figure. Permettre au porteur du clown d’avoir une maitrise de son propre corps, pour ensuite pouvoir laisser surgir un “deuxième corps”, celui de l’enfance, décalé, burlesque et excentré.
La voix chantée et parlée avec : Anne Fischer, Comédienne et chanteuse, intervenante à l’ENSATT.
Le comédien apprend à chanter de façon organique, le jeu est inclus dans son apprentissage du chant. C’est un comédien chantant qui est formé.
L’interprétation avec Lisa Wurmser : metteur en scène et intervenante à l’ENSATT.
Transmettre, donner le gout, et changer le cours de la vie, fut-ce pour une personne, telle est ma recherche.
Exercices de concentration, respiration, voix et phrasé.
Improvisations en français et Bushinengé tongo. Thèmes de la pièce. Situations dramatiques et imaginaires.
Scènes et passage entre les scènes.
L’action physique et l’action verbale.
L’imagination par l’improvisation et la création de l’atmosphère, la transformation et les métamorphoses.
Le texte : syntaxe, rythme, et sens.
Théâtre et Karaté avec Barbara Bouley, metteur en scène et dramaturge et intervenante de l’ENSATT en collaboration avec Manu Duro
Identité et transformation
Théâtre d’un dépassement de soi
Résister et combattre sur un plateau
Poétique du marronnage
Un auteur : Kossi Effoui
Art dramatique avec Giampaolo Gotti, metteur en scène et intervenant de l’ENSATT
Le storytelling : maîtriser une histoire et la communiquer d’une manière efficace.
Les structures psychologiques : le monologue, la situation, l’analyse-action.
Les structures ludiques : le dialogue, les idées, les thèmes, l’improvisation.
Les structures mixtes : différencier l’action dramatique, la construction d’un rôle.
La polyphonie : les scènes collectives, les lignes de jeu.
La transmission : axiomes d’analyse, dramaturgie et pédagogie d’acteur.
Administration des métiers du spectacle avec Emilie Blettery administratrice générale du centre dramatique Kokolampoe
Découvrir le secteur professionnel des arts vivants et des métiers du spectacle.
Définir son projet professionnel (création d’une compagnie, d’une entreprise de prestations techniques, etc.)
La découverte du secteur des arts vivants, de son organisation et de ses réglementations, se fait ainsi progressivement par le prisme du projet de chaque stagiaire et à partir de cours théoriques, de recherches personnelles, de restitutions et discussions en groupe de travaux individuels.
